Manuel Quintana Castillo nace en Caucagua, Estado Miranda, Venezuela en 1928. Pintor egresado de la Escuela de Artes Plásticas de Caracas Cristóbal Rojas, estudia Arquitectura en la Universidad Central de Venezuela y en la Academia Masana de Barcelona, España. En 1973 recibió su primer Premio Nacional de Artes Plásticas. Con su obra "Cúpira", premiada en el Salón Oficial, de 1955, se consagra como uno de los más destacados artistas de la Venezuela contemporánea. Con esta obra inicia una etapa inscrita en el realismo mágico, en la que destaca la atmósfera onírica y de ensueño, acompañado de formas geométricas. En 1956 recibe el Premio Adquisitivo John Boulton en XVII Salón Oficial Anual de Arte venezolano y participa a la III Bienal de Sao Paulo en Brasil. En 1957 obtiene el I Premio del IV Salón D’ Empaire de Pintura.
Vivió durante un tiempo en Europa, en París y en Roma. En 1961 realiza su primera exposición individual en el Museo de Bellas Artes de Caracas. En la década de los 70 ha sido director del Departamento de Artes Plásticas del Instituto de Cultura y Bellas Artes INCIBA, y se desempeña como Profesor del Instituto pedagógico de Caracas. En el 1973 recibe el premio nacional de Arte, en el 78 el I Premio del XXXVI Salón Arturo Michelena. En el 79 a la Bienal de Sao Paulo. En el 95 se realiza su primera exposición retrospectiva en el Museo Alejandro Otero, en el 96 recibe el Premio Armando Reverón y es homenajeado en la Feria Iberoamericana de Arte. En 1997 el CONAC lleva su exposición “Bañarse en le miso río” a Bogotá. En el 1999 es merecedor del Premio Antonio José de Sucre en la I Bienal Internacional de Cumaná y en 2002 la Galería de Arte nacional organiza una gran muestra retrospectiva bajo el nombre de “la piel del tiempo”
Dirigió el programa de crítica de arte Cuaderno de Pintura, en la Radio Nacional de Venezuela, ha colaborado en el Papel Literario, en el diario El Nacional y en la Revista Imagen. Fue miembro fundador de los Grupos artísticos-literarios, Sardio en 1957 y El León de Oro en 1965.

ENcontrARTE: Manuel, hoy en día se confunde con frecuencia el papel del artista con él del intelectual. ¿Qué opinas al respeto, crees que un artista debe ser necesariamente un intelectual?

Manuel Quintana Castillo: Los artistas plásticos, por lo general, tienden a asociarse con la destreza manual espontánea, pero ha habido pocos que han reflexionado sobre el Arte a lo largo de la historia. Juan Liscano hizo esa observación y dijo que en Venezuela, eso de “hacer reflexión sobre el Arte” lo inauguramos Alejandro Otero y yo. Ahora, que un artista plástico tiene que ser necesariamente un intelectual, eso no es así: depende del temperamento y de la naturaleza de cada quien. Actualmente va muy de moda que los artistas plásticos aparenten ser intectuales pensando que con eso van a ganar más respetabilidad.

Guernica de Picasso 1937

Pero antes, los pintores nunca se han asociado con los intelectuales a diferencia de los escritores. Reverón, por ejemplo, no reflexionó absolutamente nunca sobre nada, él pintaba y ya. Y Picasso, que es el modelo, el arquetipo el paradigma del artista plástico moderno, fue más bien una fuerza casi de la naturaleza, una gran fuerza, un talento monstruoso para pintar, además caricaturista genial, porque si no hubiese sido caricaturista no hubiese podido pintar un cuadro como Guerinca, porque la deformación figurativa que hace Picasso en este cuadro demuestra su habilidad para la caricaturista. Él crea una deformación, crea otro organismo, que tan coherente como el de la naturaleza. Las deformaciones de Picasso se ensamblan orgánicamente, hay una coyuntura muscular interna propia. Guernica es un cuadro figurativo pero con trasgresiones y alteraciones, muy lógicas. Picasso nunca escribió nada sobre la pintura ni dijo nada. el hacía su obra. Pero claro, no todo el mundo es igual. Yo no puedo evitar de reflexionar sobre lo que hago. Hago mis cuadros y después pienso sobre lo que hecho.

El Taller de Manuel Quintana Castillo en San Diego de Los Altos

Cúpira, 1954 Óleo sobre tela 146,5 x 70,3 cm Premios : Premio Henrique Otero Vizcarrondo, XVI Salón Oficial Anual de Arte Venezolano, 1955

E: Cuéntanos un poco sobre tu evolución como artista.

MQC: La evolución en mi carrera como pintor, ha sido una afirmación cada vez fuerte de las cosas en las cuales creo. Cada vez creo más en mis convicciones y me refiero a mi papel y a mi destino como pintor. No me interesa ser otra cosa, sino afirmarme en lo que soy, porque todavía tengo imaginación, entusiasmo, la capacidad de riesgo, la audacia el incentivo de la juventud, pero complementada con la experiencia. Siempre he creído en la Pintura y no quiero salirme de eso. Cada día tengo mayor incentivo para creer en ella. Eso es mi proyecto de vida. Lo que me he propuesto en mi trabajo a lo largo de mi trayectoria como artista, es algo que se fue generando a si mismo. Eso no ha pasado solamente en mi caso, es la Pintura que se genera a si misma, a partir de ciertos códigos, de ciertos lenguajes, de cierta búsqueda. Es como un organismo viviente que evoluciona naturalmente.

E: ¿Alguna vez te ha tentado incursionar en el muralismo?

MQC: Cuando era muchacho me atraía mucho pero desafortunadamente no tuve oportunidad en este campo. Ahora lo que más me apasiona es el trabajo de taller.

E: ¿No te parece que el Muralismo pudiera ser un detonante para generar un nuevo movimiento, nuevas ideas, porque está en la calle junto a la gente?

MQC: Claro que sí, es comparable casi con el Cine, porque tiene un alcance social, el muralismo es muy importante. No todos los artistas pueden practicarlo. El fenómeno del Muralismo Mejicano que se produjo durante la revolución a principio del siglo XIX, fue muy particular, porque se dio la feliz coincidencia que hubo una serie de artistas que estuvieron en capacidad de desarrollarlo. Diego Rivera fue cubista junto a Picasso y a Braque, son prácticamente de la misma generación, pero su cubismo fue distinto. Los mejicanos fueron fabulosos por la forma en que supieron resolver los espacios monumentales de una manera casi renacentista. En mi opinión Orozco fue el mejor de todos y además fue un importante pintor expresionista, un gran artista, uno de los mejores del mundo. Frank Lloyd Wright, el gran arquitecto norteamericano, lo reconoció como el más grande muralista de su tiempo y lo invitó reiteradas veces a participar en sus proyectos en los Estados Unidos, pero Orozco siempre rehusó aduciendo que tenía su compromiso en Méjico con su pueblo. Orozco reinventa el Renacimiento Italiano, reinterpreta a Piero della Francesca (1420-1492), a Paolo Uccello (1397-1475) y asume una autonomía a partir de sus raíces. Para hacer muralismo hay que tener un claro sentido de la estructura pero no en el sentido de la supuesta integración con la arquitectura que planteaba Carlos Raúl Villanueva. En mi opinión, fue planteamiento totalmente equivocado.

la Batalla de Heraclio y Cosnoes de Piero della Francesca

la Batalla de San Román I de Paolo Uccello

la Batalla de San Román II de Paolo Uccello

la Batalla de San Román III de Paolo Uccello

Alejandro Otero

Jesús Soto

Carlos Cruz-Diez

E: ¿Por qué Caracas se transformó en la capital del Arte Cinético?

MQC: Eso como lo estaba comentando, fue algo impuesto por una elite de la burguesía que asumió la cultura, Miguel Otero Silva, Alfredo Boulton entre otros. Precisamente Boulton se convirtió en el principal impulsor del Cinetismo, al punto extremo que para él, Alejandro Otero y Jesús Soto, eran los únicos pintores venezolanos que valían la pena. Boulton, miembro de la oligarquía venezolana, pasó de experto en Arte colonial y fotógrafo a crítico de Arte moderno y ser el más gran apologista del Arte Cinético en venezuela. Entonces impuso el Cientismo y el Arte Abstracto Geométrico porque a él le pareció.  Fue repito un Arte de las élites, que se impuso porque los artistas oficiales fueron los únicos que se impulsaron. Alejandro Otero era la estrella que no dejaba brillar a nadie más, quizás Mateo Manaure, fue para decirlo de alguna forma el único “disidente” y Carlos González Bogen que trato de encontrar su propio camino, pero eran todos artistas muy jóvenes todos iban a París, inclusive yo y muchos se dejaron influenciar por el Arte Abstracto que era lo que estaba de moda en aquellos momentos en Europa.

Carlos González Bogen

Mateo Manaure

MQC: Claro, y como los artistas no tienen muchos mecanismos de resistencia, cae en el facilismo. La mayoría piensa de forma pragmática, su razonamiento es que no pueden estar en contra de la gente que les compra sus obras y de los curadores que los trasforman en un valor comercial y en casi como una estrella de la farándula. Aquí durante los años 60 se había puesto de moda que los artistas plásticos tenían que ser comunistas, el único que no era comunista en aquel momento era yo. ¿Y quiénes les compraban los cuadros a todos ellos? Los burgueses, que los domesticaron y los compraron casi a todos.
El artista preferido de la burguesía en aquel momento era Gabriel Bracho, comunista y estalinista porque con eso la burguesía se cubría con un barniz de liberalismo, de tolerancia, de apertura mental. Estos artistas eran como un adorno para la burguesía, unas mascotas, totalmente inofensivos, y los invitaban a las reuniones en sus casas, eran una curiosidad, algo exótico, como al tiempo de las cortes europeas.

E: ¿Crees que pudiéramos asistir a una nueva época de efervescencia en la Artes Pláticas en Venezuela?

MQC: Bueno hay que tratar de encontrar el camino hacia eso, en este momento las Artes Plásticas las han querido borrar. Hay que comenzar por rescatar el propio término de Artes Plásticas que se empezó a desaparecer en la década de los 80 con la complacencia y la indiferencia de muchos artistas, para ser remplazado con el término de “Artes Visuales” . Yo estuve desde el primer momento en absoluto desacuerdo y publiqué en el Nacional un artículo titulado: “Todo lo plástico es visual pero no todo lo visual es plástico”. ¿Qué es el Arte Plástico? El Arte Plástico es lo que le confiere dignidad estética a lo visual. Si lo visual carece de dignidad plástica no es Arte. Y es precisamente lo que está pasando ahora: cualquier cosa es “Arte Visual” Una instalación, un Performance, un tipo fumándose un cigarro, un video proyectado sobe una pared, etc. ¿Qué es eso? ¡Lo “Visual” ha desplazado lo “Plástico” para remplazarlo con nada en concreto! Tenemos necesariamente que recuperar el sentido de “Artes Plásticas”. Creo que actualmente hay una subvaloración de lo “Plástico” un especie de distanciamiento, un resentimiento hacia lo “Plástico” un querer hacerlo desaparecer. Un ejemplo reciente: se creó el Instituto de las Artes de la Imagen y el Espacio; a lo “Plástico” no lo nombran para nada. Lo “Plástico” es fundamental. Obviamente hoy en día no hay interés por lo “Plástico” porque lo “Plástico” se acabó. Y ¿Qué era la Plástico? Bueno la pintura, la escultura, el dibujo y sus derivados, el grabado etc. Todo eso que tiene que ver con el volumen, la forma, el plano, el color, la línea que son los elementos esenciales del vocabulario plástico y esos no han sido reemplazados con nada nuevo, ni nunca lo podrán ser. Entonces se quiso desviar el foco de atención. La Instalación es algo como la “Vitrinería” poner un poco de cosa junta como cuando uno arma una vitrina de una tienda, tiene que ver más con la decoración con la escenografía. Eso no quiere decir que las Artes Plásticas no puedan fusionarse de vez en cuando con otra cosa; Picasso hizo escenografías, vestuarios para teatro, para ballet etc., pero no era Arte Plástico. Vamos a estar claros sobre lo que es cada cosa. Se perdieron los iconos, se perdieron las referencias, los arquetipos, lo simbólico, por eso, vuelvo a decir que lo Plástico es lo que le confiere dignidad estética a lo visual, lo visual sin eso no es Arte.  

E: ¿No crees Duchamp contribuyó mucho a que eso pasara?

MQC: Bueno Duchamp era Duchamp, era un genio negativo. Él le dio dignidad plástica a lo corriente. Cuando expuso por primera vez el Gran Vidrio, durante el trasporte este se quebró, entonces todo el mundo consternado le preguntó que hacer y él dijo lo miro y dijo. “¡Déjenlo así. Así está muy bien!” o sea le confirió valor plástico a un accidente.

E: Tu eres uno de los pocos pintores que además escribe sobre la Pintura ¿Crees que tus reflexiones pudieran ser aprovechadas por otros artistas, quizás los más jóvenes que no saben que rumbo tomar? Y ¿Si se te pidiera abrir un taller para los jóvenes artistas que les enseñarías?

MQC: Para mi en este momento de mi vida lo más preciado es el tiempo para mi mismo. Yo quiero tiempo para pintar. Ahora si mis reflexiones le sirven de algo a los pintores jóvenes no se. Lo que pasa que la gente joven debe encontrar su propio camino, y eso no es fácil, el panorama hoy en día es muy confuso. Hay un exceso de información, de estímulos. El joven artista está completamente desorientado, hay tantas llamadas, tantas propuestas, un exceso de la influencia de las vanguardias, una especie de alienación, y, como ahora se acabó la pintura, la escultura, el dibujo etc., cosa que nos ha impuesto los curadores, existe una gran confusión generalizada entre los jóvenes artistas. Espero que alguna de mi reflexiones sirvan para alumbrarles un poco el camino para algunos. Para mi la Pintura ha una experiencia cultural, no solamente pintar cuadros. Me he involucrado intelectualmente durante mi vida, en una reflexión constante, eso para mi ha sido inevitable no puedo evitar de hacer las dos cosas al vez.

En 1982 la Galería de Arte Nacional publicó mi libro Cuaderno de Pintura y desde entonces he escrito mucho más, el año que viene posiblemente publiqué otro libro que se llamará Segundo cuaderno. Pero los jóvenes artistas lo que necesitan es pintar, dibujar, esculpir etc. En mi opinión por ejemplo, en el Instituto Armando Reverón les dan demasiada teoría a sus alumnos y los jóvenes lo que quieren en realidad es taller, agarrar la palta de los colores, los pinceles, usar las manos. En el caso de la Escuela de Artes Plásticas Cristóbal Rojas, en donde estudió Michelena, el propio Cristóbal Rojas y muchos artistas más, se convirtió en un especie de liceo y eso no es posible. Debería funcionar como taller para todos lo que quieran aprender a dibujar, pintar, a tallar a esculpir puedan asistir, una cosa mucho más libre. Así no se enseñan las Artes Pláticas a mi modo de ver.

E: ¿Qué podemos hacer para salir de este especie de estancamiento en las Artes Plásticas contemporáneas por lo menos en Venezuela y América Latina?

MQC: Yo propongo “desacomplejar” el arte venezolano y latinoamericano. tengo una tesis que he llamado del Renacimiento a la Reinvención. Reinventarlo todo. Si el Arte ya ha sido creado, bueno vamos a inventarlo otra vez incluso a partir de lo que ya ha existe, pongámonos a hacer cosas nuevas a partir del vocabulario ya existente, reformulemos todas las corrientes del pasado: el Cubismo, el Dadaísmo, el Impresionismo, el Expresionismo etc. Eso es lo que yo propongo. Para mi esta es una via perfectamente válida. Esta bien que en América Latina exista un “Arte de la Resistencia” como lo propone Marta Traba desde el punto de vista temático, conceptual, histórico, pero la resistencia sólo se puede hacerse a través de la afirmación, para poder resistir hay que tener argumentos, y no solamente temáticos sino también en el lenguaje y la forma. Y ¿Qué vamos a hacer si todo ya está hecho?, La vanguardia tiene que venir de otra parte, no siempre de Europa como lo ha sido hasta ahora. Sigue existiendo una especie de coloniaje cultural desde la época de la colonia. Claro que el estudio de la evolución del Arte occidental también es importante, pero la Resistencia debe ser una nueva conciencia creativa tanto para Venezuela como para América Latina. Una nueva conciencia crítica y creativa, y para eso debe haber una toma de consciencia colectiva. Como dije recientemente en una entrevista para la revista “Chimborazo”: no se trata de socializar el Arte; hay que socializar los medios de aproximación, del conocimiento y de acceso a la práctica del Arte. Para que se haga accesible al mayor número de gente. Porque tenemos que llegar a un nivel de entendimiento, a un cierto nivel cultural. No crean que inclusive hoy en día las mayoría de los franceses entiende de que se trató el Cubismo. Hace falta educación y después una cosa viene con la otra.

Un punto importante para obtener nivel cultural en un país es que hay que socializar los medios de comunicación que son los primeros que desvirtúan la Cultura, o sea que son los creadores de la Anti-cultura. La Anti-cultura la representan los medios de comunicación masivo, en Venezuela y creo que en general en el mundo entero. De nada sirven por ejemplo todos los esfuerzos del Ministerio de la Cultura, si después viene la televisión comercial y todo lo destruye. Los valores que la juventud asume son los que le imponen los medios comerciales, la publicidad, la moda; todo, la música, la estética etc. Yo seré pesimista pero es una batalla desigual la Cultura no tiene posibilidad de ganarle a los medios. La televisión comercial destruye sistemáticamente y conscientemente la Cultura auténtica. Ahora si tu hablas de socializar los medios te caen encima, un atentado contra la libertad de expresión.

Estamos enfrentado a una gran mentira, a una gran hipocresía y a una gran vagabundería por parte de los medios comerciales eso ya es notorio. La conciencia popular está constantemente acosada aún cuando por lo menos en Venezuela estamos asistiendo a un desarrollado de algunos mecanismos de defensa a este acoso constante. Lo hemos visto con la política. En este caso está clarísimo que la gente cada vez le cree menos a los medios, pero en cuanto a la estética y a los valores no se.

E: Entonces en tú opinión: ¿Cuál es el futuro del Arte Plástico en América Latina y Venezuela. ¿Hacia dónde va y qué expresiones pudiera adoptar?

MQC: Hoy en día está planteado un conflicto. Hasta ahora se había planteando la Resistencia frente a la Alienación del Arte. Eso lo plantea Marta Traba en la década de los 70 y 80; ella murió en 1983. Ahora que estamos a comienzo del siglo XXI y lo que hay que resolver es la propia desaparición del Arte.
El Arte no puede desaparecer. No podemos aceptar que el Arte sea convierta en cualquier cosa. Lo que han desaparecido es el lenguaje del Arte, eso lo han querido abolir y no lo han remplazado con nada, porque es irremplazable. Esto es lo que está planteado, a mi juicio. Este proceso de desgaste de todas las tendencias y las corrientes, se refleja por ejemplo con Malevich cuando con su Cuadrado negro sobre un fondo blanco, planteó que además de ver un simple cuadrado negro sobre un fondo el cuadrado representaba la presencia de la ausencia del objeto. La desaparición había comenzado. Entonces el Arte Plástico en teoría se acabó, pero no ha sido remplazado por otra cosa. O mejor dicho, ha sido remplazado por la banalidad, la chabacanería las ocurrencias sin sentido, lo que se les ocurra a los curadores, cualquier locura porque la locura, la extravagancia son una salida. En fin en esto estamos ahora. En este momento nadie creo que tenga la respuesta a vuestra pregunta. Para mi la solución está en reencontrar el lenguaje que se perdió. Se inventó un mito un nuevo vocabulario un nuevo lenguaje que en la realidad no existe. El Performance, la Instalación etc. no son lenguajes plásticos, es una acumulación de cosas, son un dispararte. Es tan sencillo como eso: si tu pones una escoba, un serrucho oxidado y una vacinilla en la sala de un museo se trasforman en una Obra de Arte,si te los encuentras en la calle son basura. Las galerías y los museos se han trasformados en el contesto para que cualquier cosa se trasforma en un Objeto de Arte.

E: ¿Qué opinas de la II Mega-exposición que ha realizado el Ministerio de la Cultura donde participó todo el mundo sin ningún tipo de filtro?

MQC: Yo lo venía planteando esto desde finales de los 70, de cierta manera fue una idea mía yo propuse hacerlo en aquel galpón de la Zona Rental de la Plaza Venezuela, sin filtros de los curadores, de los jurados de los críticos de Arte, que se jactan de rechazar el más grande número de obras demostrando así su conocimiento y su grado de exigencia. ¿Y quién son ellos? Hubo exposiciones a las cuales llegaban 3000 obras y aceptaban 70, 80. ¿Qué es eso? Una agresión una falta de respeto. Esta gente se adjudica el criterio absoluto para decidir lo que era bueno y lo que es malo. Yo propuse hacer un salón abierto para que le público, los periodistas, los críticos en fin todo el mundo pudiera ver las obras. Ahora si los pasas por los filtros del los jurados acabas con todo. Luis Enrique Pérez Orama dijo que el Ministro de la Cultura Farruco Sesto hubiera debido ir preso por haber permitido que se hiciera esa cosa terrible que para él fue la Mega-exposición; se sintió insultado, ofendido. ¡Una agresión para los museos, haber puesto allí toda esta basura! Yo sí participé ¿Y Por qué no? Pero créanme que hubo más de un artista que está con el Proceso que estuvo en desacuerdo porque no se quería mezclar con la chusma! ¡Y yo que en los 60 no era comunista!

O sea, que es mejor poner un serrucho oxidado en un museo que poner los cuadros que los desconocidos pintan. Que hipocresía, que moda tan perversa y por supuesto detrás de eso el gran negocio. La idea de la Mega-exposición fue hacer un gran inventario para ver que es lo que pasaba en el país en el campo de las Artes Plásticas y además para que la gente misma decida lo que le gusta o no. Aquí hay mucha gente inteligente a nivel popular y en la clase media que sabe bastante de Arte y sabe discernir lo que es bueno de lo que es malo. Yo sí estoy de acuerdo con esta clase de iniciativas.

Fragmento de un papel de trabajo de Manuel Quintana Castillo: “La desaparición del Arte”

El Maestro en su taller

……En este sentido observa Jean Baudrillard en Ilusión y desilusión estética que la desaparición del arte se convierte en un arte de la desaparición, no se trata ya de un objeto alienado sino algo que incluso ha dejado de ser objeto para convertirse en una ausencia y que seguiría existiendo por la fatalidad de haber perdido su propia forma. Baudrillard se refiere a la Ilusión y desilusión del Arte, pero vamos a entender entonces que la ilusión no corresponde a un espejismo sino a una necesidad existencial del Arte asumiendo que el Arte es algo que completa la realidad y le proporciona un sentido ontológico a la vida de tal modo que el objetivo de la resistencia debe complementarse con determinación de recuperar la necesidad del Arte y de igual medida recuperar y reinventar los lenguajes del Arte mismo. Insistimos que la crisis existencial que hoy padece el Arte no puede ser resuelta a través de la visión de supuestos contenidos que siempre han estado a la vista sino con la disposición de asumir de nuevo la presencia del lenguaje específico que se ha extraviado. No es el Arte que ha desaparecido sino su lenguaje que ha habría sido borrado…….

La mañana, 40 x 33 cm óleo sobre tela, 33 x 40 cm , 1947	El caballo y la puerta, óleo sobre tela, 1.65 x 1.35 cm , 1978.	Desnud, dibujo y grafito sobre papel 15 x 22 cm , 1979.
Diálogo en el museo, acrílico sobre tela, 1.50 x 1.30 cm , 2003.	Estructura orgánica Nr.1, acrílico sobre tela, 1.50 x 1.30 cm 2006.